miércoles, 20 de diciembre de 2017

Morphine: Journey of Dreams [2014]



En 1993 los Smashing Pumpkins editaban "Siamese Dream". Al otro lado del charco, empezaba a crecer imparable el britpop mientras que unos desconocidos Radiohead debutaban. Pero debajo de este cúmulo de futuros clásicos, había grupos underground que estaban trabajando fórmulas que iban más allá de los cánones que el indie rock empezó a predicar años antes. Entre ellos Morphine, que con su segundo álbum, "Cure For Pain", confeccionaron uno de los mejores discos del año y su obra cumbre. Al igual que otros grupos del under norteamericano, su ámbito de difusión como grupo de culto se producía sobretodo en radios universitarias, como en antaño hicieran REM o los Pixies. Pero a diferencia de estos y del resto de héroes del indie rock, del noise y del grunge, ellos no utilizaban guitarras. Mark Sandman, líder y vocalista del trío, tenía la experiencia de haber participado anteriormente en Treat Her Right, un grupo de blues rock, pero fue más allá. Sandman recogió esa experiencia para formar uno de los grupos más interesantes que dio la década de los 90: Morphine. No necesitaban guitarras para los inusitados cambios de ritmo o estridentes distorsiones. Lo suyo era el jazz rock. Los instrumentos que utilizaban: una batería, un saxo y un bajo. Y este bajo, que era el arma de Sandman, simplemente tenía dos cuerdas. No era necesario más para perpetrar ese sonido grave y violento, combinado con infalibles ritmos del saxofón de Dana Colley, que a veces tocaba hasta dos saxos a la vez. El resultado no podía ser mejor: un jazz rock con dejes de clasicismo rock, que sonaba ofensivo, sexual y con el alma callejera del blues. No era un grupo más; Morphine no era un grupo convencional. Y aunque se sabía poco de la vida personal del prolífico Mark Sandman, se especulaba con que las letras eran autobiográficas, algo que no extraña, conociendo algunos capítulos negros de su vida. Esas desdichas encajaban a la perfección con el jazz y el blues, vehículo de expresión para el escarnio, el descaro y las conjuras de los malditos. Él era el alma máter del grupo, y las canciones de Morphine eran el reflejo de su creatividad. No obstante, el destino es caprichoso y quiso llevarse del mundo a Sandman a los 46 años de edad, de una forma trágica. Sufrió un infarto el 3 de julio de 1999, truncando la carrera del grupo, durante el festival italiano "Nel Nome del Rock" (Palestrina, Roma), en el escenario de Los Jardines del Príncipe. En 2014 y luego de cinco años de investigación y filmaciones, el director Mark Shuman pudo plasmar en celuloide su oda personal a la banda, "Morphine: Journey of Dreams" es un merecido homenaje al grupo de Massachusetts, retratado a través de entrevistas a los ex miembros de la banda y fotografías y videos inéditos de su fugaz pero intensa trayectoria por la escena rockera mundial. Si la década de los noventa fue una de las más ricas e influyentes en la música rock contemporánea, sin dudas los Morphine figuran en el podio de los artistas más creativos de ese decenio y más allá. Y este dossier exclusivo es una fina e irrefutable prueba de su meritorio lugar como íconos de la música alternativa.

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Morphine: Journey of Dreams [2014]


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Redes

> Por Biciman.©   
 
Comparto. Y otros comparten lo que comparto. Nos multiplicamos y cuidamos nuestras fuentes de información, que somos nosotros mismos. Es el instinto de la solidaridad inteligente, la ética primitiva de la evolución: te ayudo para que me ayudés. Así pensaban los primeros organismos pluricelulares, así nos convertimos en lo que somos hoy. El ordenamiento capitalista y sus derivados funcionales son la más clara excepción a esa regla milenaria, y suena redundante y conspirativo porque lo es, es el conspirador retrógrado, la involución crónica, el motín vanidoso de la tribu. Son seres que piensan al revés: me ayudo para que te ayudés, si yo puedo vos también, y sino desaparecé. Es el tumor que mata sin entender, que ataca lo sano porque atacar está bien, porque si vos no desaparecés desaparezco yo. Y, como el cáncer, termina matándose a sí mismo. No es necesario ser sociólogo ni científico ni ingeniero ni partidario de nada para entender esto. Basta con apelar al más común de los sentidos: la supervivencia. Existen otras formas de vivir, de organizarse, de gobernar y ser gobernado. Y si hay que vivir en el egoísmo de un proceso infectado, entonces yo soy mi cuerpo, yo defiendo mi estado, con la lucidez del que no gana pero intenta, del que no sabe pero aprende, del que no tiene pero comparte. En malestar o bienestar yo comparto. Y otros comparten lo que comparto. Y entre todos nos cuidamos. Y si el tumor no entiende, hay que matarlo con la diferencia: vos podrás con mi ánimo, pero nunca podrás con mi estado.

Gimme Danger [2016]



Es sabido que el género documental vive hoy una de sus mejores épocas, tal vez una segunda edad de oro, aprovechando sus potencialidades con trabajos que trascienden el carácter informativo de este tipo de cintas para adentrarse plenamente en las sugestivas áreas de todo tipo de corrientes artísticas. Fue muy astuto James Newell Osterberg Jr., universalmente conocido como Iggy Pop, cuando le propuso la realización de "Gimme Danger" a un autor con un dominio tan completo del oficio cinematográfico. Jim Jarmusch, el maestro de los relatos deshilvanados, minimalistas y cercanos a la abstracción, ha mantenido una inseparable relación con la música a lo largo de su filmografía. Muestra de ello son obras como "Mystery Train" (1989), "Only Lovers Left Alive" (2013) y, sobretodo, "Year of the Horse" (1997), el documental sobre Neil Young & Crazy Horse en el que Jarmusch se aproximó al espíritu de la banda rodando en video y cintas de Super 8, con lo que lograba recrear de manera precisa el carácter lo-fi despellejado de tan legendaria máquina de rock. De igual forma, en "Gimme Danger", el director narra las desventuras del grupo The Stooges apropiándose de la estética del movimiento punk: la tipografía de los intertítulos, los segmentos de cine de animación que beben directamente del cómic underground y, fundamentalmente, el collage. En este film vemos intercaladas con las entrevistas a los protagonistas y el material visual de archivo, las fugaces estampas, entre otros, de Marlon Brando, Elvis Presley, Morticia y Gómez de La Familia Addams o las pinturas barrocas de Caravaggio, que le imprimen a la película un talante tan inesperado y divertido como burlón. No podía ser de otro modo, ya que el principal narrador de esta historia es el líder de la banda, Iggy Pop: ícono rock por excelencia, incombustible y visceral, lleno de atractiva multiplicidad. The Stooges comenzaron en Detroit (una de las ciudades fetiche de Jim Jarmusch) a finales de los años sesenta y enseguida dieron que hablar con sus actuaciones en vivo, en gran medida por la provocadora y salvaje actitud de su frontman. En 1969 llegaría el contrato con Elektra Records y la publicación del álbum debut que iniciaría un duro período para el grupo, lleno de confusión y desgaste. Maltrechos por las funestas críticas y las presiones de la compañía discográfica, The Stooges cayeron en la alcantarilla sin fondo del abusivo consumo de drogas. Un par de discos más tarde se disolvieron. Y si en el presente son considerados como uno de los conjuntos más influyentes en la historia del rock, artífices de canciones punk años antes de la aparición del término, se debe sin duda a la rebelde honestidad y exultante pasión con la que grababan discos y actuaban en directo. Por todo esto, el momento álgido del documental es la secuencia que muestra de manera apoteósica los homenajes en forma de versiones del excitante tema "I Wanna Be Your Dog", interpretado en vivo por algunas de las mejores bandas de las últimas décadas. Aunque sea de carácter póstumo en el caso de varios de los componentes de los Stooges, se podría decir que el "karma del punk" ha recompensado a estos héroes con su merecido reconocimiento. Como sentencia el propio Jim Jarmusch al comenzar la película, impregnando de manera explícita todo el metraje con su entusiasmo y fervor por el grupo, The Stooges son "the greatest rock 'n' roll band ever".

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Gimme Danger [2016]


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La bici de Elsa


No hay nada más elegante que la naturaleza. 
[Elsa Martinelli]

Música para la bici 20 - #buenanoche



>Tracklist

01- Buena - Morphine
02- Nightclubbing - Iggy Pop
03- Ulysses - Franz Ferdinand
04- Stone's Gone Up - David Lynch
05- You Need The Drugs - Westbam [Feat. Richard Butler]
06- Tonight - Colder
07- The Only Time - Nine Inch Nails
08- Dirge 2 - Death In Vegas
09- Super Sex - Morphine
10- Wishin Well - David Lynch


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Música para la bici 20 - #buenanoche


Memes

> Por Richard Dawkins.



Tenemos el poder de desafiar a los genes egoístas de nuestro nacimiento y, si es necesario, a los memes egoístas de nuestro adoctrinamiento. Incluso podemos discurrir medios para cultivar y fomentar deliberadamente un altruismo puro y desinteresado: algo que no tiene lugar en la naturaleza, algo que nunca ha existido en toda la historia del mundo. Somos construidos como máquinas de genes y educados como máquinas de memes, pero tenemos el poder de rebelarnos contra nuestros creadores. Nosotros, sólo nosotros en la Tierra, podemos rebelarnos contra la tiranía de los replicadores egoístas.

Sameblod [2016]



"Sameblod" (Sangre Sami) comienza con una anciana que asiste, a regañadientes, al funeral de su hermana. Nada se sabe de ella, salvo que se llama Christina y que debe trasladarse a otro lugar para la ceremonia. Todo ese pasado la incomoda, la pone de malhumor. Su hijo, y esa familia que transita el duelo, no parecen importarle tanto como ese incierto malestar que la invade. Christina camina por los espacios abiertos que definen la ópera prima de la directora sueca Amanda Kernell, con el peso de su dolor a cuestas. Esa tenue luz de la aurora boreal sigue sus pasos sobre el suelo árido, se mezcla con el viento frío, con la triste mirada de una culpa silenciada. Lentamente el pasado se abre con una presencia concreta y dolorosa. Dos hermanas de sangre Sami (llamadas laponas) viven en los años 30 entre montañas y una bruma espesa, en las cercanías del círculo polar ártico, dentro del territorio sueco. Su convivencia con esa territorialidad, dominada por leyes y autoridades ajenas, es conflictiva e impulsa a su familia a afirmar su sensación de extranjeros. Muerto el padre llega la escuela, lugar de socialización que se revela como escenario de maltrato y marginación. Allí todo les será negado: su lengua, sus costumbres, su identidad. La mayor de ellas, Elle Marja (la formidable Lene Cecilia Sparrok), es el punto de entrada a ese mundo: su rostro luminoso y aniñado carga con el peso de todo primogénito, el deber de protección, la necesidad de liderazgo. Kernell dirige a su joven actriz con una sensibilidad admirable, escapando de cualquier estereotipo y haciendo de ella un personaje tenaz y ambivalente. Pronto Elle Marja será Christina, llevará el nombre de su maestra, la misma que la castiga con el puntero y le regala libros. La Christina original es alta y rubia; es sueca, educada y representante del orden institucional. Es todo lo que Elle Marja no puede ser, más aún todo lo que la sociedad le recuerda que nunca será. Christina, nombre y destino, será la identidad nacida de la vergüenza y la negación. Kernell esquiva los lugares comunes para retratar la xenofobia y el racismo internalizado en Suecia desde principios del siglo 20. De hecho, su mirada recuerda los relatos de Ingmar Bergman, cuando con su padre recorría los templos protestantes de su país, y el apoyo al naciente nacionalsocialismo era algo lógico y esperado de esa comunidad. La percepción de los lapones como seres biológicamente inferiores, casi salvajes, responde a una forma de pensamiento extendida en Europa y que hoy no parece tan extraña. Inmigrante en su propio país, Elle Marja se hace pasar por sueca, atenaza su cuerpo y arranca sus raíces, porque debe sobrevivir en un mundo para el que su diferencia es intolerable. Su madre, su abuelo y su hermana se mantienen en una comunidad cerrada, que resiste los embates exteriores en el abroquelamiento, en el refugio que su propia cultura le ofrece. Elle Marja sale al mundo, lo padece, lo transita bajo ese árido viento que la desgarra. Toda su vida caminará a la intemperie, desnuda de los suyos, solitaria con su propia conciencia. "Sameblod", premiada en los principales festivales de cine independiente del mundo, es un relato realista y conmovedor, sobre la Europa que no conocemos.

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Sameblod [2016]


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La bici de Marcel


Mi capital es el tiempo, no el dinero. 
[Marcel Duchamp]

David Lynch: The Art Life [2016]



"David Lynch: The Art Life" podría considerarse un atisbo del mundo de un artista complejo e inimitable que intenta explicar la génesis y el desarrollo de su proceso creativo y que transmite la sensación de que su forma de trabajo está mucho más cerca de la de un artesano que de la de un idealista. El documental, dirigido a seis manos por Jon Nguyen, Rick Barnes y Olivia Neergaard-Holm, también deja entrever la parte más desconocida de un Lynch que, aparte de entregarse al arte, también fuma como un escuerzo, conduce su auto por las calles de Los Ángeles como un hombre de su edad (71 años) y juega a las comiditas con su pequeña hija Lula. Este es Lynch el artista, más que Lynch el cineasta. Y como buen simbolista, para explicar su arte, Lynch se retrotrae a la imaginería de su infancia y juventud, relatando anécdotas y encuentros que para el Lynch niño fueron determinantes: esa noche en la que vio por primera vez a una mujer totalmente desnuda (y con la boca ensangrentada) y le pareció estar presenciando "algo de fuera de este mundo", esa vez en la que visitó una morgue y pasó la noche mirando cadáveres en silencio, o esos tiempos en los que jugaba en un charco de barro a la sombra de un árbol en su casa de Sandpoint. Uno de los mayores atractivos de "David Lynch: The Art Life" es la cantidad de metraje perteneciente a los videos caseros de la familia y que abarcan desde los años cincuenta hasta finales de los setenta. Como en una especie de terapia psicoanalítica freudiana, Lynch va desgranando esos momentos, a su juicio claves, que hicieron que pasase del estupor de la niñez a la incesante búsqueda del artista adulto. "David Lynch: The Art Life" se erige como un monólogo documental que nos muestra a un personaje a sus setenta años como nunca antes se había conseguido. Quizá no veamos lo que hay tras la cortina roja, pero sí lo que hay antes de ella. Sin subterfugios ni bombas de humo. El uso de más de veinte audios grabados durante tres años, sus anécdotas y su plasmación en pantalla, consiguen que el documental no sea sólo un complemento a la interesantísima obra del autor, sino un largometraje a tener en cuenta por su valía individual, como documento y como obra de arte en sí mismo.

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David Lynch: The Art Life [2016]


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Flechas

> Por Biciman.©   




Un rechazo es una flecha
hacia otra dirección
no se grita ni se pena
sino sería una orden
y a mí nadie me ordena
porque yo soy otra flecha
hacia otra dirección.





Christmas '77 with the Sex Pistols [2013]



La vida y milagros de los Sex Pistols ha sido relatada profusamente en artículos de prensa, libros, documentales e incluso películas, contribuyendo a convertir a la banda que trató de moldear el desaparecido Malcolm McLaren en el grupo punk más conocido de todos los tiempos. Ninguna otra banda del estilo ha tenido tanta repercusión en la cultura popular, a años luz de la cosechada por The Clash incluso. Con opiniones a favor y en contra, es un hecho ineludible que los Sex Pistols siempre simbolizarán la explosión del punk rock británico del año 1977. Una explosión y un año del que ahora se celebran cuatro décadas, exactamente el mismo aniversario que cumple “Nevermind the Bollocks, Here’s The Sex Pistols”, el accidentado debut (y a la postre único álbum “real”) del probablemente cuarteto más infame surgido en la historia musical de Inglaterra. Tal vez el mejor documental sobre los Sex Pistols, "Christmas '77 with the Sex Pistols" muestra a la banda en su última presentación en el Reino Unido semanas antes de implosionar en su gira estadounidense. El metraje, con clips añadidos de una Inglaterra en descomposición y entrevistas con los tres miembros supervivientes, pone todo el asunto en un nuevo contexto. Como un moderno villancico de Navidad, es un juego dickensiano ambientado en los tristes y oxidados finales de los setenta que entretiene sin perder el peligro y el brillo emocionante de la banda cuyo efecto en la cultura rock aún se siente. Brillantemente reunidos por Julian Temple, que filmó ese trascendental recital en 1977, el film retrata el concierto benéfico para los bomberos en huelga de Huddersfield el día de Navidad del '77. Aunque eran prohibidos en la mayor parte del Reino Unido y escapaban a escondidas para tocar bajo el apodo de "Spots", los Pistols eran los cuatro jinetes anticristos que enfrentaban la bancarrota cultural y moral de Inglaterra y que en un concierto en Huddersfield y tocando para los hijos de unos bomberos en huelga, lograron disipar todos los mitos que los rodeaban. Un documento histórico para atesorar, presentado por el inquebrantable Johnny Rotten.

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Christmas '77 with the Sex Pistols [2013]


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La bici de Brigitte & Jean-Louis


Cuanto más conozco a los hombres más me gusta mi perro. 
[Brigitte Bardot, con Jean-Louis Trintignant]

Kedi [2016]



En la relación entre lo urbano y lo salvaje, la figura del gato constituye uno de los puntos de unión más ambiguos. El cambio constante en esta relación, forzado por los cada vez más imparables procesos de expansión de las grandes urbes, tiende a generar sentimientos de pérdida. Cada metro cuadrado de naturaleza que claudica bajo el cemento puede ser percibido como un nuevo paso que nos aleja cada vez más de una armonía antigua. El gato (y en especial el callejero) cuenta con el suficiente instinto cazador como para sobrevivir en ese caos de forma independiente, pero a la vez con una capacidad para ahorrarse el molesto trabajo de conseguir alimento mediante la explotación del humano, como si el minino fuera consciente de su capacidad para fascinar a esa especie que dedica numerosas horas de su vida a la contemplación de videos protagonizados por sus congéneres (hay una lógica hilarante en que YouTube, la mayor canalizadora de la pasión por los videos de gatitos, sea una de las distribuidoras de "Kedi"). Y es la peculiaridad de esta relación humano-animal la que el documental explora con una dedicación extraordinaria. Inspirada por los propios recuerdos de su infancia en Estambul, la directora Ceyda Torun nos presenta la capital turca como una ciudad en la que el fenómeno de los gatos callejeros, por su número y su perfecta integración en los barrios populares, supone una parte vital de la idiosincrasia del lugar. En su afán por trascender la mera condición de anecdotario, "Kedi" apuesta por la coralidad narrativa y por la supeditación de su fotografía a la perspectiva felina. "Kedi" se limita, libre cual felino, a deambular por la ciudad saltando de relato en relato, observando cómo, mientras sus protagonistas cuadrúpedos ensayan poses de eficaz indiferencia, sus contrapartes humanas proyectan sobre ellos inquietudes, afectos, necesidades de autoestima e incluso reflexiones teológicas. Y lo que termina de redondear la cinta no es sólo su capacidad para crear (o recrear, si nos contagiamos del convencimiento de la película en su fidelidad a la esencia de Estambul) un pequeño mundo valioso, sino su testimonio de un tiempo que se desvanece. Los gatos de Estambul nos hablan de una evolución dentro de la propia forma de experimentar lo urbano. Sobre las historias planea la amenaza de desaparición de esa armonía entre gatos y humanos, que se manifiesta de forma más directa cuando un pescador habla del nuevo proyecto gentrificador de turno: un proyecto de zona de oficinas que acabará con los oficios más tradicionales y negocios humildes del barrio. "Nos preocupa el futuro de los gatos más que el nuestro", afirma el hombre. Y el temor que esconde la frase es ese porvenir de rascacielos y seres trajeados sin tiempo para gatos, a su vez expresión de especial viveza de lo que ocultan las mieles del nuevo capitalismo y las economías globalizadas. Al fin y al cabo, no sólo los gatos son las potenciales víctimas de este nuevo paradigma que ya no es que amenace a la diversidad natural, sino a la propia diversidad humana. Este leve sabor elegíaco de "Kedi" nos recuerda que la figura del gato callejero (la misma que las políticas "civilizadas" consideran algo a erradicar) es también la expresión de una vivencia de lo urbano, libre, relajada y abierta.

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Kedi [2016]


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Gatos

> Por Charles Bukowski.  





Lo sé, lo sé. Son limitados, tienen diferentes necesidades e intereses. Pero los observo y aprendo. Me gusta lo poco que saben, y es tanto. Se quejan pero nunca se preocupan, andan con sorprendente dignidad. Duermen con una sencillez directa que los humanos no pueden entender. Sus ojos son más bonitos que los nuestros y pueden dormir veinte horas al día, sin dudas ni remordimientos. Cuando me siento mal me basta con mirar a mis gatos y mi valor regresa. Estudio a estas criaturas. Son mis maestros.

lunes, 3 de julio de 2017

Pulp: A Film About Life, Death and Supermarkets [2014]



Pulp fue un grupo creado en Sheffield, Inglaterra, a finales de los 70, aunque su primer disco se editó en 1983. Del grupo destaca su carismático líder, Jarvis Cocker, uno de los estandartes del britpop. La destreza a la hora de componer letras de Cocker fue creciendo y obtuvo su mayor reconocimiento en la mitad de los 90 con discos alabados como "His 'n' Hers" o "Different Class". Pulp apostó también por una estética de grupo uniforme muy bien cuidada, ya que se han visto influenciados por grupos como Roxy Music o cantantes como David Bowie. La cumbre de la popularidad de Pulp llegó con la edición en 1995 de "Different Class", para muchos su mejor disco. Los sencillos más conocidos de este álbum son: "Common People", "Disco 2000", "Something Changed", entre otros. En 1998 publicaron "This Is Hardcore", para muchos el disco más oscuro de Pulp. Sus ventas no igualaron a "Different Class", pero fue bien recibido por la crítica. El último disco de Pulp, "We Love Life", fue editado en 2001. A causa de las bajas ventas de este disco, su discográfica les rescindió el contrato tras la publicación en el 2002 de un grandes éxitos en formato CD y DVD. Desde entonces, Jarvis Cocker ha aprovechado para experimentar con un grupo de música electrónica llamado "Relaxed Muscle" y ha tenido participaciones en películas y documentales. "Pulp: A Film About Life, Death and Supermarkets", documental dirigido por el neozelandés Florian Habitch , retrocede hasta el 8 de diciembre de 2012 y traslada al espectador hasta Sheffield, la ciudad inglesa que vio nacer al conjunto y que fue elegida como el destino final de su gira de reunión, que había comenzado un año antes, tras casi una década de inactividad. Una decisión acertada que se traduce en la emoción de ver a Jarvis Cocker, Mark Webber, Steve Mackey, Nick Banks y Candida Doyle hablando sobre todo lo que ha pasado antes de ese día y sintiendo la nostalgia de volver a esas calles que inspiraron y vieron nacer canciones como “Disco 2000”. Los testimonios de los integrantes, sin dobles discursos ni actuaciones, se mezclan con el antes, durante y después de aquel show que marcó el fin de Pulp. Cómo se preparan los técnicos, los habitantes y los fanáticos (en resumen, la ciudad misma) antes de esta esperada presentación en su tierra natal, es el hilo conductor de este interesante y entretenido viaje. Si efectivamente ese concierto fue el último de Pulp, el registro que quedará para la posteridad será una postal precisa y sin adornos. Una oportunidad única de ver a cinco músicos en el mejor lugar posible: la ciudad que los vio nacer.

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Pulp: A Film About Life, Death and Supermarkets [2014]


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Presentismo

> Por Biciman.©   

Es lo obvio en mí. Parar todo salvo respirar. Disolver el mundo con un apretón de párpados. Sus párpados. Debo tener un gen, o cromosoma o como sea, que si lo busco subjetivamente le encuentro su nombre científico parecido a su nombre. Un cannabinoides, un receptor preparado, un síntoma latente, un enchufe hembra cenicienta en el que sólo entra ella. ¿Edípico? Puede ser. La madre de todos los besos. El seno de la felicidad. El refriegue de los sentidos, el repliegue de la razón. Loco de amor. Muerto de amor. Porque tanta necesidad mata. Mata mis otras cosas. Corta mi electricidad con una bomba atómica. No hay resistencia, se me parte el caparazón. Y está mal, claro que está mal. Entregarse así. La dignidad, el cuerpo, el futuro, la ética de lo propio, la compresión de lo ajeno, de la energía transitoria. Rebelde el que no se entrega. Guerrero el que no abandona. Tal vez la estrategia sea que no haya estrategia. Que sea ensayo en vez de guerra. ¿Por qué hacer un Everest de un paseo por las nubes? Yo quiero ir y volver, de donde sea. Sólo de la muerte no se vuelve. De ella se vuelve. Se vuelve de lo obvio. Porque lo obvio se lleva como una deformidad inoperable, algo que ya estaba ahí antes de que ella apareciera. Y me descubriera. El agujero en la sien. Mínimo, invisible al resto de los ojos. Parar todo salvo sus ojos. Que me ven otro. Con ella soy otro. Un cuerpo extraño. Que gusta y asusta. Y la quiero y no me quiero. Porque no quiero dejar de ser lo que soy sin ella. ¿Cómo obviar lo obvio? Hacerlo parte sin ser parte. Partir el todo en muchos todos. Potenciar el antes y después, mientras estoy con ella. Tal vez deba estar más solo cuando estoy con ella. Estar solo y con ella. Pensar que ella no está ahí. Porque es obvio que está ahí. Porque ella es lo obvio. Tan obvio que ya ni lo pienso.

One More Time With Feeling [2016]



“Es el cambio entre un mundo conocido y un mundo desconocido que deviene una prisión. Y cuando sales fuera, ese mundo es el mismo pero cambiaste. Encuentras a un amigo en la calle que te dice algo amable y lloras en sus brazos. Y entonces te das cuenta de que en realidad no es tan amigo tuyo. Te descubres rodeado de ojos amables y te preguntas: ¿cuándo me he convertido en un objeto de lástima y compasión?”. Quien habla es Nick Cave. Quien lo filma, Andrew Dominik. La película: “One More Time with Feeling”, una obra testimonial que toma como eje los temas del último disco de estudio de Nick Cave & the Bad Seeds, “Skeleton Tree”, para meditar sobre el luto de Cave, que perdió a su hijo adolescente Arthur en julio de 2015 en trágicas circunstancias. Filmado en 3D y en blanco y negro, el documental es un ejercicio fílmico profundamente minimalista, que transcurre casi por completo en el estudio de grabación y en la casa familiar de Cave, donde el foco narrativo se desplaza con destreza de la mente de Cave a la de Susie Bick, quien en su papel de esposa y madre se alza como una conmovedora y bellísima Pietá. La densidad narrativa del documental, que lejos de mostrar a un Cave articulado y brillante, presenta a un hombre completamente roto que en más de una ocasión se ve superado por la imposibilidad de comunicar el dolor de la pérdida, se marida de forma inmejorable con la descripción del caótico proceso creativo que dio pie al Skeleton Tree, y con la representación en vivo de algunas de las canciones más significativas del disco. Al final lo que queda en pantalla es el bello y demoledor testimonio oral de Susie, de Cave, y de su inseparable compañero de batallas, el músico Warren Ellis. Sin embargo, el inconmensurable dolor del evento que ensombrece y da forma al film sólo es entendible mediante la música de Cave y sus Bad Seeds. El resultado es duro, frágil y crudo, un verdadero testamento de un artista tratando de encontrar su camino en la oscuridad.

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One More Time With Feeling [2016]


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La bici de Emma


Sólo Dios puede perdonar algunas cosas...
Y Dios no existe
. 
[Emma Stone]

Música para la bici 19 - #buendía



>Tracklist

01- One Too Many Mornings - The Chemical Brothers
02- Better Things - Massive Attack
03- Something About Us - Daft Punk
04- Aftermath - Tricky
05- Lucy's Talking - Kid Loco
06- La Femme D'Argent - Air
07- Isobel [Deodato Mix] - Björk
08- Protection - Massive Attack
09- Fountains And Tramways - Beirut
10- It Could Be Sweet - Portishead


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Música para la bici 19 - #buendía


Las seis y lágrima

> Por Jorge Boccanera.

Justo a las seis,
en punto, vendrá a buscarte la ciudad
y esta vez quizá el apuro
no te deje ni lavarte los dientes.
Te busca día a día
con sus codos mojados,
sus ojeras de niebla,
sus manos temblorosas diciendo: ¡te devoro!
Para un golpe en la nuca de oficina,
para oxidarte todos los costados
y arrollarte con su tren de piedra.
Te busca la ciudad
con sus alcantarillas espías,
sus torres de tic-tac echando humo,
su tristeza mordiéndote la lengua.
En el viaje, colgado de tu saco,
pensás en unas manos,
simplemente unos dedos,
que te roben los lápices,
te acaricien el pelo
y maten el reloj seis menos cinco.


Hjartasteinn [2016]



"Hjartasteinn", traducida al inglés como "Heartstone" (Corazón de piedra), es una película islandesa dirigida por Guðmundur Arnar Guðmundsson, que retrata la vida de unos jóvenes amigos de un pueblo pesquero del este de Islandia. La película trata sobre la amistad y el amor, y la delgada línea que a veces separa ambos conceptos. Thor (Baldur Einarsson), uno de los dos amigos protagonistas en el film, está enamorado de una chica del pueblo, y no hace más que demostrarlo ante su amigo Christian (Blær Hinriksson). Este, en lugar de alegrarse por su amigo, cada vez se muestra más tenso, a medida que descubre que no sólo siente amistad por él. La exquisita fotografía de Sturla Brandth Grøvlen contiene en sus planos una exteriorización de emociones que conmueve, en medio de un paisaje tan bello y salvaje como desolador. Los sentimientos de Christian por su amigo, sus contradicciones, los traumas familiares, forman parte de un mundo caótico dentro de la mente del adolescente, que aflora a la superficie de manera magistral, en ese mantenimiento de planos de las largas y significativas miradas, y en esas palabras que no se dicen pero se intuyen. Los silencios cobran así una gran importancia en el film, para mostrar esa pasión controlada y reprimida por miedo, por rechazo, por temor a ser diferente y a no ser correspondido. "Hjartasteinn" es infinitamente sensorial y táctil: texturas, colores, sombras, todo adquiere un tono más sombrío, dramático, de gran realismo, para mostrarnos el interior atormentado de dos jóvenes en su despertar sexual. Premiada en festivales de todo el mundo, "Hjartasteinn" es una pequeña gema del mejor cine independiente europeo, salida de la tierra de Björk y los volcanes, con toda la sensibilidad que eso conlleva.

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Hjartasteinn [2016]


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La bici de Christian


Por ahora, mi único temor es ser aburrido. 
[Christian Bale]

Ingrid Bergman: In Her Own Words [2015]



En una época donde los estudios dirigían los destinos personales y profesionales de los actores, la actriz Ingrid Bergman tomó las riendas de su carrera (y de su vida) y no firmó contrato con ninguno de ellos, algo que no impidió que se convirtiera en una de las estrellas más legendarias del cine del siglo 20. Nació en Estocolmo un 29 de agosto de 1915. Huérfana desde niña, se crió con sus tíos y se mudó de Suecia a Estados Unidos, de ahí a Italia, a Francia y finalmente a Londres. Su vida adulta tampoco resultó nada convencional. Se casó con el médico Petter Lindström, padre de su hija Pia. Durante el rodaje de "Stromboli" conoció al director Roberto Rossellini y quedó embarazada de él. Aquel hecho la convirtió en persona non grata en Estados Unidos y le hizo perder los derechos de visita de su primera hija. Fruto de su relación con Rossellini nacieron su hijo Roberto y las gemelas Isota e Isabella (también actriz). Bergman, que participó en más de cuarenta películas, fue la favorita de Alfred Hitchcock y está considerada por el American Film Institute la cuarta estrella más importante de la historia del cine tras Katharine Hepburn, Bette Davis y Audrey Hepburn. La película "Casablanca", en la que enamoraba a un inolvidable Humphrey Bogart, la encumbró a la categoría de mito. Se hizo con tres Oscar, dos a la mejor actriz y uno a mejor actriz de reparto, por "Gaslight" (1944), "Anastasia" (1956) y "Murder on the Orient Express" (1974), respectivamente. Ícono de estilo y elegancia, fue una madre ausente para sus hijos, pero una mujer adelantada a su tiempo, vivió la vida como la vivían los hombres de la época. Murió de cáncer en su mansión de Londres, el día en que cumplía 67 años. Y a pesar de que falleció en 1982, Ingrid Bergman sigue manteniendo un aura especial donde su presencia y distinción llegó a fascinar a aquellos que tuvieron la oportunidad de apreciarla como actriz. De allí que habiéndose conmemorado hace poco el centenario de su nacimiento, su compatriota sueco Stig Björkman decidió rendirle un tributo a su persona. "Ingrid Bergman: In Her Own Words" es el título del film que no puede ser más apropiado, porque parte del mismo se refleja a través de las palabras volcadas en su diario personal y cartas escritas por ella y narradas por la actriz Alicia Vikander, que testimonian su vida interior, tanto en lo profesional como en lo personal, complementado con películas hogareñas que la actriz filmó con su cámara y fotos por ellas captadas, un importante material inédito de archivo, como así también entrevistas efectuadas por Björkman a sus hijas y allegados. Un fino homenaje a una leyenda centenaria que sigue brillando desde el recuerdo de su gloriosa carrera.

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Ingrid Bergman: In Her Own Words [2015]


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Ausentismo

> Por Biciman.©   




No más ausencias,
no entran más en esta habitación.
No caben,
no pasan.
Mi sanidad vigila,
mi locura descansa.
No sueño más.
Fulmino ideales con mi lema:
"No más ausencias en esta habitación".






Jaco [2015]



John Francis Anthony Pastorius III (Norristown, 1 de diciembre de 1951 - Fort Lauderdale, 21 de septiembre de 1987), conocido como Jaco Pastorius, fue un bajista, compositor y arreglista estadounidense de funk, jazz fusión y jazz. Hijo de músico, heredó la pasión por las notas, particularmente de los elementos de base rítmico-armónica: inició su formación como baterista y siguió el camino hasta convertirse en un verdadero prodigio del bajo eléctrico. Influenciado principalmente por los sonidos cubanos y el rythm & blues, Pastorius se convertiría en un meteorito que deslumbraría al mundo, cuyo final sería tan impactante y definitivo como el de cualquier estrella cuando se apaga. La lista de agrupaciones con las que Jaco colaboró es larga, e incluye a figuras relevantes como Pat Metheny, Joni Mitchell y Herbie Hancock, pero si se tuviera que mencionar sólo una de entre aquellas que sirvieron de impulso a su carrera y popularidad, ésa es Weather Report: surgida en 1970 y representada por el austríaco Joe Zawinul, fue una banda estadounidense de jazz que marcó la historia del desarrollo del género en la época de la posguerra. Uno de sus más grandes éxitos fue "Birdland", del disco "Heavy Weather", tema que en la actualidad es ícono y referente de los estándares melódicos asincopados. Después de dejar Weather Report, Jaco formó su propia banda, Word Of Mouth, con la cual también grabó varios discos y realizó numerosas giras hasta el año 1984. Notables músicos fueron parte de aquella banda, entre ellos el baterista de Weather Report, Peter Erskine, el trompetista Randy Brecker, el saxofonista Bob Mintzer y el percusionista Don Alias. A partir de mediados de la década de los 80, Jaco comenzó a sufrir las primeras manifestaciones de trastornos mentales y se le diagnosticó como maníaco depresivo. Las drogas que le habían recetado le impedían concentrarse, lo adormilaban, lo que le imposibilitaba componer o le dormían los dedos, lo cual no le permitía tocar el bajo. Jaco rehusó tratarse, cayendo en una espiral de conflictos familiares y conductas autodestructivas. Se volvió alcohólico, tomando por costumbre vagar por las calles de Nueva York y convivir con mendigos y vagabundos. En septiembre de 1987 fue víctima de un violento altercado a la salida de un club nocturno neoyorkino, que lo dejó en coma farmacológico del que nunca se recuperaría, hasta su deceso unos días más tarde. Producido por el bajista de Metallica Robert Trujillo, el documental "Jaco" es el fruto de varios años de investigación por parte del músico metalero, la familia de Pastorius y una exitosa campaña de crowdfunding. El relato se centra en la vida del artista, su inicio, desarrollo e influencia que abarca a exponentes de diversos estilos, con testimonios de figuras destacadas como Flea, Geddy Lee, Sting, Joni Mitchell, Carlos Santana y Herbie Hancock, entre otros. Todo acompañado por imágenes y grabaciones inéditas que retratan la vida y obra del gran Jaco, genuinamente llamado "el Jimmy Hendrix del bajo".

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Jaco [2015]


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La bici de Woody & Diane


El sexo sin amor es una experiencia vacía...
Pero como experiencia vacía es de las mejores
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[Woody Allen, con Diane Keaton]

martes, 14 de marzo de 2017

B-Movie: Lust & Sound in West-Berlin 1979-1989 [2015]



¿Qué puede hacer un joven en una ciudad industrial en la que las fábricas van cerrando una tras otra? ¿Qué futuro puede tener en una ciudad que parece no tenerlo? El joven Mark Reeder encontró una pequeña luz en su Manchester natal, sumida en la pobreza de la post-Segunda Guerra y durante los inicios del Thatcherismo: la música. Primero como músico en sí, fundando la banda The Frantic Elevators junto a Mick Hucknall (quien posteriormente se haría famoso con Simply Red) y luego como vendedor en una pequeña tienda de Virgin Records en el centro de Manchester. Allí expandió su horizonte musical, del punk furioso de Sex Pistols y Buzzcocks a la experimentación alemana en la electrónica, como Tangerine Dream, Kraftwerk y Neu! Pero la pobre, sucia y fría Manchester se sentía demasiado pequeña, demasiada lejana a aquello que tanto deseaba, así que un día Mark Reeder decidió irse a vivir a Berlín Occidental. “B-Movie: Lust & Sound in West Berlin 1979-1989” es, a falta de una mejor expresión, un collage audio-visual. Es la atmósfera de una ciudad dividida y a punto de estallar, un enclave capitalista en medio de la órbita soviética, un imán para artistas, decadentes, okupas y desertores, y la película captura esa adrenalina, ese exceso, esos deseos de libertad en una situación tan mala (o peor) que en Manchester, con una edición caótica-pero-controlada, usando material de archivo, grabaciones nunca antes vistas, y la narración de Mark Reeder para guiarnos a través de su historia, que es tanto la historia de un extranjero que se vuelve berlinés, como la historia del underground de la ciudad. Reeder nos guía a través de estas coloridas aguas turbulentas con una línea firme: la música. Su relación con diversos artistas (como los punks de Die Toten Hosen y Die Ärzte y las experimentales new-wave de Malaria!) forman la espina dorsal del relato, pero hay una que sobresale: la figura lánguida y desaliñada de Blixa Bargeld. Bargeld, fundador de la influyente banda industrial Einstürzende Neubaten y co-fundador, junto a Nick Cave, de The Bad Seeds, es una presencia magnética cada vez que aparece en pantalla, con una particular (y muy lúcida) visión de Berlín y una pureza artística envidiable. Aparte de los ya mencionados, también hacen aparición una joven Tilda Swinton, la famosa cantante Nena (con el primer hit mundial en alemán), los endiosados Joy Division y posteriormente los novísimos New Order, la estrella adolescente Christiane F. y el mismísimo Nick Cave, quien se fue a Berlín buscando la inspiración que le parecía esquiva en ese momento de su vida. "B-Movie" es un documental con mucho espíritu punk, abiertamente rebelde y contra-cultural, pero nunca particularmente violento. Es una pequeña ventana a una ciudad que parece gris y opaca en su exterior, pero está llena de colores y chillidos en los detalles, en cada rincón, en cada grieta. Una de las mayores riquezas de la película consiste en el material de archivo que nos muestra, in-situ y sin filtro, la vida al borde de la Cortina de Hierro, lo que es absolutamente impagable. Una mirada de menos de dos horas a ese epicentro de creatividad y de excesos que era Berlín Occidental y que cayó, en cierto sentido, cuando también cayó el Muro.

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B-Movie: Lust & Sound in West-Berlin 1979-1989 [2015]


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Ruleta rusa

> Por Biciman.©  

¿Cómo sé que adentro de esta decisión hay un amor? Sé lo que puede hacerle a mi cabeza. Bien o mal es moral de la inconsciencia, estas cosas no se piensan, se aprenden pero no se piensan. Todos somos inmortales hasta demostrarnos lo contrario. ¿Quién no quisiera morir y nacer, en otro o el mismo? Jugar a que quiero más de lo que puedo, jugar a enfermarse, a la fiebre, a la víctima, a la consecuencia de mis actos. Es lindo volarse los sexos con otros cuerpos, morderse las colas, abrirse las penas. Pero después de unos tajos, de unos buenos malos tajos, el andar es instinto, uno quiere el olor sin las flores, la boca sin la risa, buscar lo preciso, ser justo sin ley, dar sin que pidan, no pedir lo que me dan. No es fácil hacer lo que se piensa, pero más revelador es no pensar, rendirse al miedo, filetearse, perder las banderas, las marcas, los talones. Es cambiar aceite por gas, la línea imaginaria por la contingente, por eso que nunca podías imaginar. Es un proceso de revuelco cíclico, arrastrarse hasta que salgan ruedas en los codos, rodar como loco por los egos circundantes, hasta chocar con algo, o con alguien, no es lo mismo, es lo que pasa, cuando lo único seguro es que algo va a pasar. La moneda va a caer, por eso de la gravedad, por esa cosa animal de tener un cuerpo, una cara, una huella, un vestigio, una cabeza para perder, un amor para ganar. Entonces cargate de miedo y tentate la sien, y que el deseo fluya my dear, que la sangre corra, que el pálpito decida. Y si podés perder la cabeza con el filo de la suerte, tal vez mejor morir de amor que no amar hasta la muerte.



Daft Punk: Unchained [2015]



Daft Punk es un dúo de música electrónica formado por los músicos franceses Guy Manuel de Homem-Christo (nacido el 8 de febrero de 1974) y Thomas Bangalter (nacido el 3 de enero de 1975). Daft Punk alcanzó gran popularidad en el estilo house a finales de la década de los '90, en Francia, y continuó con su éxito los años siguientes, usando el estilo synthpop. Daft Punk es conocido por sus elaborados conciertos en los que incorporan efectos visuales y por el énfasis que ponen en la historia y los componentes visuales de sus producciones musicales. También porque desde 2001 en sus actuaciones o apariciones públicas aparecen disfrazados de robots. En muy raras ocasiones conceden entrevistas o aparecen en televisión. "Daft Punk Unchained" es un documental del 2015 dirigido por Hervé Martin-Delpierre y producido por Canal+ y la BBC. La película es un recorrido narrativo desde los inicios noventosos en el circuito musical, mostrando su evolución y la forma en que han ayudado a definir la escena electrónica actual, posicionándose como la mejor banda del género, provocando grandes expectativas en cada uno de sus nuevos trabajos y presentaciones en vivo. Presenta sus influencias y los momentos decisivos de su carrera, el lanzamiento de su segundo y tercer disco, la recordada actuación en el festival de Coachella en 2006, momento que puso en lo más alto de su carrera a los Punks y que sirvió para que muchas personas que no estaban relacionadas con este tipo de movimiento entendieran de qué se trataba. "Daft Punk Unchained" intenta además presentar el perfil artístico del dúo que, a pesar de lo que se podría pensar dada la naturaleza de su trabajo, se remite a la disciplina y el control sobre los dispositivos con los que trabajan y los sonidos que componen. Como parte de los antecedentes de su éxito están la amplitud de sus referentes y un profundo entendimiento de la escena musical y la industria, ambos factores que les han permitido trabajar con relativa soltura artística y mantener los pies en la tierra. El documental explora esta revolución cultural sin precedentes que revela un dúo de artistas en una búsqueda permanente de la creatividad, la independencia y la libertad. Entre la ficción y la realidad, la magia y el secreto, el futuro y la reinvención, la teatralidad y la humildad, los robots han construido un mundo único. La película combina raras imágenes de archivo con entrevistas exclusivas con sus más cercanos colaboradores, incluyendo a Pharrell Williams, Giorgio Moroder, Nile Rodgers y Michel Gondry, entre muchos otros.

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Daft Punk: Unchained [2015]


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La bici de Ellen


Soy lesbiana y estoy cansada de mentir por omisión. 
[Ellen Page]

The Blue Note Collection Vol 6



>Tracklist

01- Play It - Bugge Wesseltoft
02- Value For Money - Low Fidelity Jet Set Orchestra
03- Hard Twelve - Beat Assailant
04- Summertime - Patchworks
05- Venice - Robert Kanford
06- Cantaloop Island - DJ Cam [With Tassel & Naturel]
07- Isabelle - Cassius Mc Fawner
08- Dolce Vita - Nick Edwardson
09- The Rustlers - Low Fidelity Jet Set Orchestra
10- Clauss It - Bugge Wesseltoft


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The Blue Note Collection Vol 6